CLASE Nº20. La luz. Plató de fotografía

La luz en la práctica artística: En esta clase experimentamos con luces y formas, como una forma de pintar con luz. Para ello necesitábamos cámaras fotográficas. La configuración inicial debía ser la siguiente, y se podía modificar dependiendo de cada cámara: ISO a 200 (sensibilidad a la luz); Diafragma (F) a 5´6 u 8 (capacidad de enfoque); Velocidad Obturación a 1/15 o B (funciona con la presión de dedo)
Algunas de las partes de la cámara réflex,  y esenciales para trabajar con la luz, son en realidad se las siguientes dos partes principales sin las cuales no podría funcionar:
OBJETIVO: Todos sabemos lo que es. Una combinación de lentes y cristales que le permiten a la cámara enfocar. Una especie de ojo. Es independiente de la cámara y se puede adquirir por separado.
La mayoría de los objetivos vienen equipados con 2 anillas giratorias alrededor del objetivo. Una de ellas, más o menos en el centro del objetivo, sirve para cambiar la distancia focal, o lo que es lo mismo, darle más o menos zoom a la foto. La otra anilla, normalmente en el extremo del objetivo casi cerca del cristal, sirve para enfocar o desenfocar. Además de esto los objetivos suelen llevar un botón interruptor de AF/MF que sirve para decirle a la cámara que queremos que enfoque ella misma de modo automático (AF) o bien que queremos enfocar y desenfocar nosotros mismos de manera manual (MF). CUERPO: Si le quitásemos a la cámara réflex su objetivo, lo que quedaría sería el cuerpo de la misma. Es donde se centran todas las características relacionadas con la cámara propiamente, como el sensor, la cantidad de megapíxeles, la sensibilidad ISO, la velocidad de disparo por segundo, donde se guarda la tarjeta de memoria, donde reside la batería, la pantalla, el visor, todo.
APERTURA Y VELOCIDAD. El modo manual se basa enteramente en esos dos términos. La fotografía se basa en la luz principalmente. La luz del exterior atraviesa el objetivo hasta alcanzar el interior de la cámara y una vez ahí se proyecta sobre el sensor, formando una imagen que se queda grabada.
La Apertura. Representa el caudal y por lo tanto permite que entre mayor o menor cantidad de luz en función de si es una apertura grande o pequeña. Es como si fuera un tubo por el que pasase agua, pasaría más o menos agua en función de lo amplio o estrecho que fuera el tubo. Pues aquí pasa lo mismo. Cuando la Apertura es grande, pasa más luz y por lo tanto la imagen será mucho más clara, más iluminada, pudiendo a veces llegar a quedarse sobreexpuesta.
Si la Apertura, en cambio, es más reducida, llegará menos cantidad de luz y la foto obtenida será más oscura, pudiendo quedarse subexpuesta.
La Velocidad. Las cámaras réflex tienen una pieza pequeña por dentro denominada “obturador”, una pieza que impide que la luz que entra por la apertura del objetivo pueda llegar al interior de la cámara. ¿Por qué hace esto? Pues porque si entrara luz todo el tiempo, obtendríamos una imagen inundada de luz, todo blanco, no se distinguirían los objetos ni sujetos. Esta pieza llamada “obturador”, es en realidad una especie de grifo. Cada vez que pulsamos el disparador, ese grifo se abre, permitiendo que el chorro de luz penetre a través de esa apertura que vimos antes. El obturador se mantiene abierto durante un tiempo normalmente breve y cuando piensa que ya ha entrado la cantidad de luz suficiente. Este breve tiempo es la Velocidad. Se le llama Velocidad de obturación o Velocidad de disparo. La Velocidad por lo tanto es el tiempo que el obturador se mantiene apartado permitiendo el paso de la luz por la Apertura. Cuanto mayor sea ese tiempo, mayor cantidad de luz alcanzará el interior de la cámara, y cuanto menor sea ese tiempo, menor cantidad de luz. En fotografía, cuanto más tiempo se deja a la luz entrar, más luz se consigue, luego más luminosa será nuestra foto. Y viceversa: si queremos una fotografía con menos luz, tendremos que hacer que el tiempo sea menor.

Fotografías hechas por mi:

CLASE Nº18. Conferencia de Fosi Vegue

Asistimos a una conferencia sobre fotografía, presentada por Fosi Vegue. Se realizó en el salón de actos del edificio Pavía.
Primeramente, nos informó sobre su carrera profesional y su evolución, hasta llegar a la escuela de fotografía que levantó en 2006, Blank Paper, considerada una de las mejores escuelas por la British Journal of Photografhy, y su último trabajo de fotografía.
Seguidamente, nos presento y explicó una serie de trabajos de algunos fotógrafos y exalumnnos de su escuela, y por ultimo, su trabajo.
Personalmente, los trabajos que más me gustaron han sido:

•  Mama, Nacho Caravía

Fuente: https://fotopres.caixaforum.com/web/20-fplc/mama

• La sombra del césped, Iñigo Aragon

Fuente: http://www.30y3.com/inigo-aragon-la-sombra-en-el-cesped/

              

• Censura, Julian Baron

     

                      Fuente: http://www.julianbaron.es/censura_fotos.html

CLASE Nº17. Debate: El arte y el artista.

En esta clase debatimos sobre el arte y el artista. A raíz de varias opiniones nos planteamos varias preguntas como... ¿Una persona autodidacta en el ámbito artístico es realmente un artista? ¿Es necesario estudiar para ser artista? ¿El artista como creador de un producto o como creador de arte? ¿Es arte el arte abstracto? ¿Cómo entendemos ese arte y por qué?
Bueno, estas son alguna de las preguntas que surgieron, y muchos otros temas como la importancia del dinero por y para hacer arte, o simplemente dejar a una lado el dinero por amor al arte.

CLASE Nº14. Evaluación de pares.

La evaluación de pares consiste en puntuar a nuestros compañeros, primero notas personales a cada uno, y después mediante grupos (los integrantes de cada grupo elegidos aleatoriamente) se puntua de forma conjunta.
Para estas notas se valora una práctica que hayamos hecho en clase, como la investigación de un color, más los blogs. Para puntuar los blogs se tiene en cuenta el número de exposiciones visitadas, el número de entradas, limpieza, la fecha de publicación adecuada...
Después de esta tarea procedemos a la autoevaluación.

CLASE Nº12-13. Investigación de un color.

En esta clase se expusieron las investigaciones del color asignado a cada grupo, además, puntuamos individualmente a cada grupo y a los compañeros. En mi grupo correspondía el color blanco.

CLASE Nº 11- La forma en la naturaleza y su función

TIPOS DE FORMAS 
La forma es el límite entre un cuerpo y un espacio. Nos da pautas para identificar qué tipo de cuerpo, de objeto puede ser. La forma nos proporciona información de lo que podría ser realmente el objeto observado. 

En realidad todas las formas se componen de dos elementos claves: la recta y la curva. Dos tipos de formas y su combinación nos permiten o dan lugar al resto de formas. Las principales formas que podemos observar en la naturaleza son: la esfera, la onda, el ángulo, el hexágono, la fractal, la parábola, la hélice y la espiral. 
Existen las formas que nos proporciona la naturaleza, y además, existen las formas artificiales. Dentro de cada una de ellas nos encontramos con cuerpos que son estables o cuerpos que son variables. Por ejemplo:

- Formas naturales: Los cuerpos naturales cambian y se modifican a lo largo del tiempo. Sin embargo cuando nosotros decimos que son estables, es porque hablamos de corto plazo de tiempo. 
Variables o inestables: El cuerpo humano sufre cambios que se producen en la forma de nuestro cuerpo; o el cielo, a lo largo del día pasa por distintas fases. 
Invariable o estable.
- Formas artificiales: En realidad las formas artificiales al ser fabricadas por el propio ser humano pueden perduran todo lo que se quiera en el tiempo, pero a su vez el ser humano puede alterarla y darle la forma que quiera.

Pero nos centraremos en cada una de las formas naturales:

La Esfera: es un cuerpo sobre el cual se ha ejercido la misma presión por todos los lados. Nos aporta una sensación de: cierre, de compresión, de acotado. En nuestra cultura, la esfera se asocia a la forma de los ojos. Por eso, cuando vamos por la calle y vemos viviendas con ventanas con esta forma nos sentimos que nos están observando. La esfera por su asociación con los ojos nos aporta un estado de tensión y alerta. Y por supuesto tiene una simetría perfecta Pol Bury es uno de los embajadores de la investigación y trabajo con la Esfera. El artista situó un montón de esferas sobre una superficie y la propia inercia de éstas provocaban que se desplazaran lentamente en masa. Un símil con los desplazamientos actuales de las civilizaciones y los pueblos. Otra artista muy conocida que trabaja el círculo y su homólogo en tres dimensiones, la esfera; es Yayoi Kusama. 

La Onda: es el procedimiento más simple para mover un material dentro de un fluido. De hecho muchos animales se desplazan de forma ondulante. Los seres humanos nos comunicamos gracias a las ondas. Por lo que la principal función de la onda o lo que puede transmitir es: comunicar. 

El Ángulo: es un cuerpo sobre el cual se ha ejercido una fuerza. Nos transmite una sensación de: agarrar, enganchar. Por ejemplo: los dientes tienen esta forma y con ellos los animales agarran a sus presas.

El Hexágono: es una esfera sometida a su vez a presión, pero no regular por todos los lados. Nos da la sensación de que: pavimenta, cubre un espacio y lo hace de la manera más efectiva posible. Es la forma que más aprovecha un espacio. Un artista que aborda esta forma es el fotógrafo premio nacional de fotografía: Javier Vallhorant.

La Fractal: como ya vimos con anterioridad, las formas fractales son aquellas que se repiten en sí mismas en escalas progresivamente pequeñas. Tienden a llenar el espacio con continuidad sin interrupciones. A parte del famoso pintor Jackson Pollock, descubrimos en clase al artista mexicano Walter de María. Un artista que aborda la forma fractal.

La Parábola: es un forma realizada por un objeto que aguanta la tensión aunque permite cierta flexibilidad. Por ello nos aporta una sensación de que "concentra las cosas".