martes, 21 de junio de 2016
lunes, 20 de junio de 2016
Tamaño, Formato y Marco
Tamaño, Formato y Marco
Característica que hemos de tener en cuenta a la hora de analizar una imagen.
Primero debemos analizar sus materiles, si es una imagen fija o en movimiento, bidimensional o tridimensional. Seguidamente debemos observar cual es la función que tiene la imagen: artística, informativa, comercial, etc.
Por último debemos atender a los siguientes elementos dados durante todo el curso:
- Grado de Iconicidad
- Composición
- Forma
- Tamaño
- Formato
- Textura
- Color
-Iluminación
Las caracteríticas indispensables que nos quedan para analizar una imagen son el tamaño, el formato y el marco.
- El Tamaño de una obra hace referencia a sus dimensiones físicas. Es un aspecto muy importante a tener en cuenta por el artista antes de realizar su obra final. El tamaño se elige en función de lo que se desea transmitir o de la adaptación a un determinado material o por impacto psicológico visual en el espectador y por la notoriedad social que pueda proporcionar a la obra. Por tanto con el tamaño se puede transmitir:
Si el tamaño es más grande que el espectador se establece una relación de dominio con el espectador, también puede ser igual de grande, es decir, igualar al espectador. Si el tamaño es más pequeño que el espectador se establece una relación íntima con éste. Por tanto, el tamaño es un aspecto muy importante a la hora de transmitir sensaciones. Algunos de los artistas que estudiamos en clase son: Cristina Iglesias con su escultura "Pasillo Suspendido en Hierro", Christo; y Isamu Noguchi, un escultor japonés que se caracteriza por su adaptación al material.
fuente de la imegen: http://www.messynessychic.com/2014/04/02/giant-pink-lily-pads-epic-projects/
- El formato de una imagen es la forma y orientación del soporte donde vamos a
realizar la obra. La forma que tiene la obra de arte en su globalidad. Hay ya de por si formatos estandarizados como el formato paisaje, redondo, etc. Alguno de los artistas destacados que trabajan el formato y que estuvimos viendo en clase son: AES+ F y su Last Rio y Ana Laura Alaez.
- El marco, que es la forma que separa la obra del espacio, objeto y limite.. Es el límite de la obra con el espacio exterior.
En resumen, al observar una obra tendremos que analizar:
* Características físicas: 1º ver los materiales con los que está hecha la obra
* Tamaño: es importante tener en cuenta su tamaño, formato, o dimensiones físicas, elegidas en función de lo que la artista o el artista quiera trasmitir.
* Marco: hay que fijarnos en si tiene o no, y que tipo de marco. Es la forma de soporte de la obra; lo que separa la obra del espacio.
* Textura: si tiene algún tipo de textura o se trata de una superficie más bien lisa.
* Composición: simétrica, asimétrica, ascendente, descendente, etc.
* Color
* Luz
* Formas: qué tipo de figuras la componen. Si se trata de figuras orgánicas, humanas, abstractas… o si hay una combinación de figuras diferentes.
* Nivel emocional: que es lo que nos transmite esta imagen.
* Nivel iconicidad: el grado en el que se acerca o parece a la realidad.
Característica que hemos de tener en cuenta a la hora de analizar una imagen.
Primero debemos analizar sus materiles, si es una imagen fija o en movimiento, bidimensional o tridimensional. Seguidamente debemos observar cual es la función que tiene la imagen: artística, informativa, comercial, etc.
Por último debemos atender a los siguientes elementos dados durante todo el curso:
- Grado de Iconicidad
- Composición
- Forma
- Tamaño
- Formato
- Textura
- Color
-Iluminación
Las caracteríticas indispensables que nos quedan para analizar una imagen son el tamaño, el formato y el marco.
- El Tamaño de una obra hace referencia a sus dimensiones físicas. Es un aspecto muy importante a tener en cuenta por el artista antes de realizar su obra final. El tamaño se elige en función de lo que se desea transmitir o de la adaptación a un determinado material o por impacto psicológico visual en el espectador y por la notoriedad social que pueda proporcionar a la obra. Por tanto con el tamaño se puede transmitir:
Si el tamaño es más grande que el espectador se establece una relación de dominio con el espectador, también puede ser igual de grande, es decir, igualar al espectador. Si el tamaño es más pequeño que el espectador se establece una relación íntima con éste. Por tanto, el tamaño es un aspecto muy importante a la hora de transmitir sensaciones. Algunos de los artistas que estudiamos en clase son: Cristina Iglesias con su escultura "Pasillo Suspendido en Hierro", Christo; y Isamu Noguchi, un escultor japonés que se caracteriza por su adaptación al material.
fuente de la imegen: http://www.messynessychic.com/2014/04/02/giant-pink-lily-pads-epic-projects/
- El formato de una imagen es la forma y orientación del soporte donde vamos a
realizar la obra. La forma que tiene la obra de arte en su globalidad. Hay ya de por si formatos estandarizados como el formato paisaje, redondo, etc. Alguno de los artistas destacados que trabajan el formato y que estuvimos viendo en clase son: AES+ F y su Last Rio y Ana Laura Alaez.
- El marco, que es la forma que separa la obra del espacio, objeto y limite.. Es el límite de la obra con el espacio exterior.
En resumen, al observar una obra tendremos que analizar:
* Características físicas: 1º ver los materiales con los que está hecha la obra
* Tamaño: es importante tener en cuenta su tamaño, formato, o dimensiones físicas, elegidas en función de lo que la artista o el artista quiera trasmitir.
* Marco: hay que fijarnos en si tiene o no, y que tipo de marco. Es la forma de soporte de la obra; lo que separa la obra del espacio.
* Textura: si tiene algún tipo de textura o se trata de una superficie más bien lisa.
* Composición: simétrica, asimétrica, ascendente, descendente, etc.
* Color
* Luz
* Formas: qué tipo de figuras la componen. Si se trata de figuras orgánicas, humanas, abstractas… o si hay una combinación de figuras diferentes.
* Nivel emocional: que es lo que nos transmite esta imagen.
* Nivel iconicidad: el grado en el que se acerca o parece a la realidad.
El hombre de Vitruvio
En esta clase vimos un video que explicaba de forma breve la proporcionalidad del cuerpo humano según el estudio de Vitruvio.
Aplicamos esta información para medir nuestras extremidades.
El hombre de Vitrubio. Trata sobre el estudio y la investigación realizada por Leonardo da Vinci acerca de las formas y la proporción del cuerpo humano inscribiéndolo en un cuadrado y una circunferencia con brazos y piernas extendidos.
fuente de la imagen: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Da_Vinci_Vitruve_Luc_Viatour.jpg
Aplicamos esta información para medir nuestras extremidades.
El hombre de Vitrubio. Trata sobre el estudio y la investigación realizada por Leonardo da Vinci acerca de las formas y la proporción del cuerpo humano inscribiéndolo en un cuadrado y una circunferencia con brazos y piernas extendidos.
fuente de la imagen: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Da_Vinci_Vitruve_Luc_Viatour.jpg
martes, 1 de diciembre de 2015
CLASE Nº20. La luz. Plató de fotografía
La luz en la práctica artística: En esta clase experimentamos con luces y formas, como una forma de pintar con luz. Para ello necesitábamos cámaras fotográficas. La configuración inicial debía ser la siguiente, y se podía modificar dependiendo de cada cámara: ISO a 200 (sensibilidad a la luz); Diafragma (F) a 5´6 u 8 (capacidad de enfoque); Velocidad Obturación a 1/15 o B (funciona con la presión de dedo)
Algunas de las partes de la cámara réflex, y esenciales para trabajar con la luz, son en realidad se las siguientes dos partes principales sin las cuales no podría funcionar:
OBJETIVO: Todos sabemos lo que es. Una combinación de lentes y cristales que le permiten a la cámara enfocar. Una especie de ojo. Es independiente de la cámara y se puede adquirir por separado.
La mayoría de los objetivos vienen equipados con 2 anillas giratorias alrededor del objetivo. Una de ellas, más o menos en el centro del objetivo, sirve para cambiar la distancia focal, o lo que es lo mismo, darle más o menos zoom a la foto. La otra anilla, normalmente en el extremo del objetivo casi cerca del cristal, sirve para enfocar o desenfocar. Además de esto los objetivos suelen llevar un botón interruptor de AF/MF que sirve para decirle a la cámara que queremos que enfoque ella misma de modo automático (AF) o bien que queremos enfocar y desenfocar nosotros mismos de manera manual (MF). CUERPO: Si le quitásemos a la cámara réflex su objetivo, lo que quedaría sería el cuerpo de la misma. Es donde se centran todas las características relacionadas con la cámara propiamente, como el sensor, la cantidad de megapíxeles, la sensibilidad ISO, la velocidad de disparo por segundo, donde se guarda la tarjeta de memoria, donde reside la batería, la pantalla, el visor, todo.
APERTURA Y VELOCIDAD. El modo manual se basa enteramente en esos dos términos. La fotografía se basa en la luz principalmente. La luz del exterior atraviesa el objetivo hasta alcanzar el interior de la cámara y una vez ahí se proyecta sobre el sensor, formando una imagen que se queda grabada.
La Apertura. Representa el caudal y por lo tanto permite que entre mayor o menor cantidad de luz en función de si es una apertura grande o pequeña. Es como si fuera un tubo por el que pasase agua, pasaría más o menos agua en función de lo amplio o estrecho que fuera el tubo. Pues aquí pasa lo mismo. Cuando la Apertura es grande, pasa más luz y por lo tanto la imagen será mucho más clara, más iluminada, pudiendo a veces llegar a quedarse sobreexpuesta.
Si la Apertura, en cambio, es más reducida, llegará menos cantidad de luz y la foto obtenida será más oscura, pudiendo quedarse subexpuesta.
La Velocidad. Las cámaras réflex tienen una pieza pequeña por dentro denominada “obturador”, una pieza que impide que la luz que entra por la apertura del objetivo pueda llegar al interior de la cámara. ¿Por qué hace esto? Pues porque si entrara luz todo el tiempo, obtendríamos una imagen inundada de luz, todo blanco, no se distinguirían los objetos ni sujetos. Esta pieza llamada “obturador”, es en realidad una especie de grifo. Cada vez que pulsamos el disparador, ese grifo se abre, permitiendo que el chorro de luz penetre a través de esa apertura que vimos antes. El obturador se mantiene abierto durante un tiempo normalmente breve y cuando piensa que ya ha entrado la cantidad de luz suficiente. Este breve tiempo es la Velocidad. Se le llama Velocidad de obturación o Velocidad de disparo. La Velocidad por lo tanto es el tiempo que el obturador se mantiene apartado permitiendo el paso de la luz por la Apertura. Cuanto mayor sea ese tiempo, mayor cantidad de luz alcanzará el interior de la cámara, y cuanto menor sea ese tiempo, menor cantidad de luz. En fotografía, cuanto más tiempo se deja a la luz entrar, más luz se consigue, luego más luminosa será nuestra foto. Y viceversa: si queremos una fotografía con menos luz, tendremos que hacer que el tiempo sea menor.
Fotografías hechas por mi:
Algunas de las partes de la cámara réflex, y esenciales para trabajar con la luz, son en realidad se las siguientes dos partes principales sin las cuales no podría funcionar:
OBJETIVO: Todos sabemos lo que es. Una combinación de lentes y cristales que le permiten a la cámara enfocar. Una especie de ojo. Es independiente de la cámara y se puede adquirir por separado.
La mayoría de los objetivos vienen equipados con 2 anillas giratorias alrededor del objetivo. Una de ellas, más o menos en el centro del objetivo, sirve para cambiar la distancia focal, o lo que es lo mismo, darle más o menos zoom a la foto. La otra anilla, normalmente en el extremo del objetivo casi cerca del cristal, sirve para enfocar o desenfocar. Además de esto los objetivos suelen llevar un botón interruptor de AF/MF que sirve para decirle a la cámara que queremos que enfoque ella misma de modo automático (AF) o bien que queremos enfocar y desenfocar nosotros mismos de manera manual (MF). CUERPO: Si le quitásemos a la cámara réflex su objetivo, lo que quedaría sería el cuerpo de la misma. Es donde se centran todas las características relacionadas con la cámara propiamente, como el sensor, la cantidad de megapíxeles, la sensibilidad ISO, la velocidad de disparo por segundo, donde se guarda la tarjeta de memoria, donde reside la batería, la pantalla, el visor, todo.
APERTURA Y VELOCIDAD. El modo manual se basa enteramente en esos dos términos. La fotografía se basa en la luz principalmente. La luz del exterior atraviesa el objetivo hasta alcanzar el interior de la cámara y una vez ahí se proyecta sobre el sensor, formando una imagen que se queda grabada.
La Apertura. Representa el caudal y por lo tanto permite que entre mayor o menor cantidad de luz en función de si es una apertura grande o pequeña. Es como si fuera un tubo por el que pasase agua, pasaría más o menos agua en función de lo amplio o estrecho que fuera el tubo. Pues aquí pasa lo mismo. Cuando la Apertura es grande, pasa más luz y por lo tanto la imagen será mucho más clara, más iluminada, pudiendo a veces llegar a quedarse sobreexpuesta.
Si la Apertura, en cambio, es más reducida, llegará menos cantidad de luz y la foto obtenida será más oscura, pudiendo quedarse subexpuesta.
La Velocidad. Las cámaras réflex tienen una pieza pequeña por dentro denominada “obturador”, una pieza que impide que la luz que entra por la apertura del objetivo pueda llegar al interior de la cámara. ¿Por qué hace esto? Pues porque si entrara luz todo el tiempo, obtendríamos una imagen inundada de luz, todo blanco, no se distinguirían los objetos ni sujetos. Esta pieza llamada “obturador”, es en realidad una especie de grifo. Cada vez que pulsamos el disparador, ese grifo se abre, permitiendo que el chorro de luz penetre a través de esa apertura que vimos antes. El obturador se mantiene abierto durante un tiempo normalmente breve y cuando piensa que ya ha entrado la cantidad de luz suficiente. Este breve tiempo es la Velocidad. Se le llama Velocidad de obturación o Velocidad de disparo. La Velocidad por lo tanto es el tiempo que el obturador se mantiene apartado permitiendo el paso de la luz por la Apertura. Cuanto mayor sea ese tiempo, mayor cantidad de luz alcanzará el interior de la cámara, y cuanto menor sea ese tiempo, menor cantidad de luz. En fotografía, cuanto más tiempo se deja a la luz entrar, más luz se consigue, luego más luminosa será nuestra foto. Y viceversa: si queremos una fotografía con menos luz, tendremos que hacer que el tiempo sea menor.
Fotografías hechas por mi:
CLASE Nº18. Conferencia de Fosi Vegue
Asistimos a una conferencia sobre fotografía, presentada por Fosi Vegue. Se realizó en el salón de actos del edificio Pavía.
Primeramente, nos informó sobre su carrera profesional y su evolución, hasta llegar a la escuela de fotografía que levantó en 2006, Blank Paper, considerada una de las mejores escuelas por la British Journal of Photografhy, y su último trabajo de fotografía.
Seguidamente, nos presento y explicó una serie de trabajos de algunos fotógrafos y exalumnnos de su escuela, y por ultimo, su trabajo.
Personalmente, los trabajos que más me gustaron han sido:
Fuente: http://www.julianbaron.es/censura_fotos.html
Primeramente, nos informó sobre su carrera profesional y su evolución, hasta llegar a la escuela de fotografía que levantó en 2006, Blank Paper, considerada una de las mejores escuelas por la British Journal of Photografhy, y su último trabajo de fotografía.
Seguidamente, nos presento y explicó una serie de trabajos de algunos fotógrafos y exalumnnos de su escuela, y por ultimo, su trabajo.
Personalmente, los trabajos que más me gustaron han sido:
- Mama, Nacho Caravía
Fuente: https://fotopres.caixaforum.com/web/20-fplc/mama
- La sombra del césped, Iñigo Aragon
Fuente: http://www.30y3.com/inigo-aragon-la-sombra-en-el-cesped/
- Censura, Julian Baron
Fuente: http://www.julianbaron.es/censura_fotos.html
CLASE Nº17. Debate: El arte y el artista.
En esta clase debatimos sobre el arte y el artista. A raíz de varias opiniones nos planteamos varias preguntas como... ¿Una persona autodidacta en el ámbito artístico es realmente un artista? ¿Es necesario estudiar para ser artista? ¿El artista como creador de un producto o como creador de arte? ¿Es arte el arte abstracto? ¿Cómo entendemos ese arte y por qué?
Bueno, estas son alguna de las preguntas que surgieron, y muchos otros temas como la importancia del dinero por y para hacer arte, o simplemente dejar a una lado el dinero por amor al arte.
Bueno, estas son alguna de las preguntas que surgieron, y muchos otros temas como la importancia del dinero por y para hacer arte, o simplemente dejar a una lado el dinero por amor al arte.
CLASE Nº14. Evaluación de pares.
La evaluación de pares consiste en puntuar a nuestros compañeros, primero notas personales a cada uno, y después mediante grupos (los integrantes de cada grupo elegidos aleatoriamente) se puntua de forma conjunta.
Para estas notas se valora una práctica que hayamos hecho en clase, como la investigación de un color, más los blogs. Para puntuar los blogs se tiene en cuenta el número de exposiciones visitadas, el número de entradas, limpieza, la fecha de publicación adecuada...
Después de esta tarea procedemos a la autoevaluación.
Para estas notas se valora una práctica que hayamos hecho en clase, como la investigación de un color, más los blogs. Para puntuar los blogs se tiene en cuenta el número de exposiciones visitadas, el número de entradas, limpieza, la fecha de publicación adecuada...
Después de esta tarea procedemos a la autoevaluación.
CLASE Nº12-13. Investigación de un color.
En esta clase se expusieron las investigaciones del color asignado a cada grupo, además, puntuamos individualmente a cada grupo y a los compañeros. En mi grupo correspondía el color blanco.
CLASE Nº 11- La forma en la naturaleza y su función
TIPOS DE FORMAS
La forma es el límite entre un cuerpo y un espacio. Nos da pautas para identificar qué tipo de cuerpo, de objeto puede ser. La forma nos proporciona información de lo que podría ser realmente el objeto observado.
En realidad todas las formas se componen de dos elementos claves: la recta y la curva. Dos tipos de formas y su combinación nos permiten o dan lugar al resto de formas. Las principales formas que podemos observar en la naturaleza son: la esfera, la onda, el ángulo, el hexágono, la fractal, la parábola, la hélice y la espiral.
Existen las formas que nos proporciona la naturaleza, y además, existen las formas artificiales. Dentro de cada una de ellas nos encontramos con cuerpos que son estables o cuerpos que son variables. Por ejemplo:
- Formas naturales: Los cuerpos naturales cambian y se modifican a lo largo del tiempo. Sin embargo cuando nosotros decimos que son estables, es porque hablamos de corto plazo de tiempo.
Variables o inestables: El cuerpo humano sufre cambios que se producen en la forma de nuestro cuerpo; o el cielo, a lo largo del día pasa por distintas fases.
Invariable o estable.
- Formas artificiales: En realidad las formas artificiales al ser fabricadas por el propio ser humano pueden perduran todo lo que se quiera en el tiempo, pero a su vez el ser humano puede alterarla y darle la forma que quiera.
Pero nos centraremos en cada una de las formas naturales:
La Esfera: es un cuerpo sobre el cual se ha ejercido la misma presión por todos los lados. Nos aporta una sensación de: cierre, de compresión, de acotado. En nuestra cultura, la esfera se asocia a la forma de los ojos. Por eso, cuando vamos por la calle y vemos viviendas con ventanas con esta forma nos sentimos que nos están observando. La esfera por su asociación con los ojos nos aporta un estado de tensión y alerta. Y por supuesto tiene una simetría perfecta Pol Bury es uno de los embajadores de la investigación y trabajo con la Esfera. El artista situó un montón de esferas sobre una superficie y la propia inercia de éstas provocaban que se desplazaran lentamente en masa. Un símil con los desplazamientos actuales de las civilizaciones y los pueblos. Otra artista muy conocida que trabaja el círculo y su homólogo en tres dimensiones, la esfera; es Yayoi Kusama.
La Onda: es el procedimiento más simple para mover un material dentro de un fluido. De hecho muchos animales se desplazan de forma ondulante. Los seres humanos nos comunicamos gracias a las ondas. Por lo que la principal función de la onda o lo que puede transmitir es: comunicar.
El Ángulo: es un cuerpo sobre el cual se ha ejercido una fuerza. Nos transmite una sensación de: agarrar, enganchar. Por ejemplo: los dientes tienen esta forma y con ellos los animales agarran a sus presas.
La forma es el límite entre un cuerpo y un espacio. Nos da pautas para identificar qué tipo de cuerpo, de objeto puede ser. La forma nos proporciona información de lo que podría ser realmente el objeto observado.
En realidad todas las formas se componen de dos elementos claves: la recta y la curva. Dos tipos de formas y su combinación nos permiten o dan lugar al resto de formas. Las principales formas que podemos observar en la naturaleza son: la esfera, la onda, el ángulo, el hexágono, la fractal, la parábola, la hélice y la espiral.
Existen las formas que nos proporciona la naturaleza, y además, existen las formas artificiales. Dentro de cada una de ellas nos encontramos con cuerpos que son estables o cuerpos que son variables. Por ejemplo:
- Formas naturales: Los cuerpos naturales cambian y se modifican a lo largo del tiempo. Sin embargo cuando nosotros decimos que son estables, es porque hablamos de corto plazo de tiempo.
Variables o inestables: El cuerpo humano sufre cambios que se producen en la forma de nuestro cuerpo; o el cielo, a lo largo del día pasa por distintas fases.
Invariable o estable.
- Formas artificiales: En realidad las formas artificiales al ser fabricadas por el propio ser humano pueden perduran todo lo que se quiera en el tiempo, pero a su vez el ser humano puede alterarla y darle la forma que quiera.
Pero nos centraremos en cada una de las formas naturales:
La Esfera: es un cuerpo sobre el cual se ha ejercido la misma presión por todos los lados. Nos aporta una sensación de: cierre, de compresión, de acotado. En nuestra cultura, la esfera se asocia a la forma de los ojos. Por eso, cuando vamos por la calle y vemos viviendas con ventanas con esta forma nos sentimos que nos están observando. La esfera por su asociación con los ojos nos aporta un estado de tensión y alerta. Y por supuesto tiene una simetría perfecta Pol Bury es uno de los embajadores de la investigación y trabajo con la Esfera. El artista situó un montón de esferas sobre una superficie y la propia inercia de éstas provocaban que se desplazaran lentamente en masa. Un símil con los desplazamientos actuales de las civilizaciones y los pueblos. Otra artista muy conocida que trabaja el círculo y su homólogo en tres dimensiones, la esfera; es Yayoi Kusama.
La Onda: es el procedimiento más simple para mover un material dentro de un fluido. De hecho muchos animales se desplazan de forma ondulante. Los seres humanos nos comunicamos gracias a las ondas. Por lo que la principal función de la onda o lo que puede transmitir es: comunicar.
El Ángulo: es un cuerpo sobre el cual se ha ejercido una fuerza. Nos transmite una sensación de: agarrar, enganchar. Por ejemplo: los dientes tienen esta forma y con ellos los animales agarran a sus presas.
El Hexágono: es una esfera sometida a su vez a presión, pero no regular por todos los lados. Nos da la sensación de que: pavimenta, cubre un espacio y lo hace de la manera más efectiva posible. Es la forma que más aprovecha un espacio. Un artista que aborda esta forma es el fotógrafo premio nacional de fotografía: Javier Vallhorant.
La Fractal: como ya vimos con anterioridad, las formas fractales son aquellas que se repiten en sí mismas en escalas progresivamente pequeñas. Tienden a llenar el espacio con continuidad sin interrupciones. A parte del famoso pintor Jackson Pollock, descubrimos en clase al artista mexicano Walter de María. Un artista que aborda la forma fractal.
La Parábola: es un forma realizada por un objeto que aguanta la tensión aunque permite cierta flexibilidad. Por ello nos aporta una sensación de que "concentra las cosas".
martes, 27 de octubre de 2015
EXPOSICIÓN Nº2. Museo Reina Sofía.
EXPOSICIÓN Nº2. Museo Reina Sofía
Como segunda exposición de la
asignatura teníamos que visitar el museo Reina Sofía.
El museo Reina Sofía tiene varias
sedes, las principales son el edificio Nouvel y el edificio Sabatini.
El museo se divide en cuatro plantas,
cada planta está ambientada con varias colecciones de diferente
temática, algunas cuenta con exposiciones temporales.
En mi opinión lo mejor es visitar un
museo de forma individual, sobre todo si se trata de un museo de
innumerables obras de artistas significativos de la historia del
Arte. Hay muchos museos en el mundo, muy relevantes, pero sin duda,
el Reina Sofía cuenta con la posibilidad de tener ante nuestra vista
el impresionante y famosisimo Guernica, entre otros, por supuesto.
Ver esta maravilla de la historia y del
arte, volver a verla, es impresionante. Pero ver el resto de obras es
una experiencia muy bonita, que aparte de tener cerca, podemos ir
muchas más veces. Para mi no solo es bonito ver las obras, no solo
se limita a ver, se trata de observar, sentir, pensar, inspirarte,
relajarte... como he dicho, sobre todo, si vas de forma individual.
Como en muchas otras exposiciones, el
gusto por el arte es subjetivo, hay cantidad de obras que guardan un
significado histórico y no dejan ver el lado más original o
creativo, otras, sin embargo, son todo lo contrario y tienen como
característica todo el conjunto.
Me gusta “ver” las obras y, aun sin
saber nada sobre ellas, sepas que te gustan porque sí, aun sin saber
el trasfondo, interpretes o sepas interpretar. Es analizar, a veces
aciertas, otras no. Aun así, cuando ves algo que te gusta sales de
una colección a otra, satisfecho, sin acertar o no; Es mágico, es
maravilloso crear una historia en torno a la obra; tener la capacidad
de interpretar y por consiguiente, desde una perspectiva más
artistica, tener la capacidad de crear.
El mundo es historia, es arte, es la
historia de un arte, y el arte de una historia. Es crear desde otra
mente para dirigir hacia los espectadores otra perpectiva, ya sea de
la vida o de cualquier aspecto de la vida, como pueden ser los
sentimientos, las injusticias...
Como es normal, hay algunas que han
destacado bajo mi observación, otras que no me han gustado tanto,
simplemente por el hecho de no transimitirme y no quito de estas ni
el simbolismo ni el arte.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)